Foto: Met vergunning Naturhistorisches Museum

Die beeldhouwerk van kunsgeskiedenis, hierdie piepklein beeldjie wat net meer as vier duim hoog was, is in 1908 in Oostenryk ontdek. Niemand weet watter funksie dit gedien het nie, maar raaiwerk het gewissel van vrugbaarheidsgodin tot masturbasiehulp.Sommige geleerdes stel voor dat dit moontlik 'n selfportret was wat deur 'n vrou gemaak is.Dit is die bekendste van baie sulke voorwerpe wat uit die Ou Steentydperk dateer.

Foto: Met vergunning CC/Wiki Media/Philip Pikart

Hierdie portret is 'n simbool van vroulike skoonheid sedert dit die eerste keer in 1912 opgegrawe is in die ruïnes van Amarna, die hoofstad wat gebou is deur die mees omstrede Farao van Antieke Egiptiese geskiedenis: Akhenaten.Die lewe van sy koningin, Nefertiti, is iets van misterie: Daar word gedink dat sy vir 'n tyd ná Akhenaten se dood as Farao regeer het - of meer waarskynlik, as die mederegent van die Seunkoning Toetankhamon.Sommige Egiptoloog glo sy was eintlik Tut se ma.Hierdie pleister-bedekte kalksteen borsbeeld is vermoedelik die handewerk van Thutmose, Akhenaten se hofbeeldhouer.

Foto: Met vergunning CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Die Terracotta Army, wat in 1974 ontdek is, is 'n enorme kas van kleibeelde wat in drie massiewe putte begrawe is naby die graf van Shi Huang, die eerste keiser van China, wat in 210 vC gesterf het.Bedoel om hom in die hiernamaals te beskerm, word geglo dat die weermag volgens sommige skattings meer as 8 000 soldate tel saam met 670 perde en 130 strydwaens.Elkeen is lewensgroot, alhoewel werklike hoogte volgens militêre rang verskil.

Foto: Met vergunning CC/Wiki Media/LivioAndronico

Miskien die bekendste beeldhouwerk van die Romeinse oudheid,Laocoön en sy seunsis oorspronklik in 1506 in Rome opgegrawe en verskuif na die Vatikaan, waar dit tot vandag toe woon.Dit is gebaseer op die mite van 'n Trojaanse priester wat saam met sy seuns vermoor is deur seeslange wat deur die seegod Poseidon gestuur is as vergelding vir Laocoön se poging om die slenter van die Trojaanse Perd aan die kaak te stel.Oorspronklik geïnstalleer in die paleis van keiser Titus, hierdie lewensgrootte figuurlike groepering, toegeskryf aan 'n trio van Griekse beeldhouers van die eiland Rhodes, is ongeëwenaard as 'n studie van menslike lyding.

Foto: Met vergunning CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Een van die mees ikoniese werke in die hele kunsgeskiedenis, Michelangelo se David het sy oorsprong gehad in 'n groter projek om die steunpilare van Florence se groot katedraal, die Duomo, te versier met 'n groep figure wat uit die Ou Testament geneem is.DieDawidwas een, en is eintlik in 1464 deur Agostino di Duccio begin.Agostino het oor die volgende twee jaar daarin geslaag om 'n deel van die groot blok marmer wat uit die beroemde steengroef in Carrara gekap is, uit te grof voordat hy in 1466 gestop het. (Niemand weet hoekom nie.) Nog 'n kunstenaar het die spel opgetel, maar hy het ook net kortliks daaraan gewerk.Die marmer het vir die volgende 25 jaar onaangeraak gebly, totdat Michelangelo dit in 1501 hervat het. Hy was toe 26.Toe dit klaar was, het die David ses ton geweeg, wat beteken dat dit nie na die katedraal se dak gehys kon word nie.In plaas daarvan is dit uitgestal net buite na die ingang van die Palazzo Vecchio, Florence se stadsaal.Die figuur, een van die suiwerste distillasies van die Hoë Renaissance-styl, is onmiddellik deur die Florentynse publiek omhels as 'n simbool van die stadstaat se eie weerstand teen die magte wat daarteen opgestel is.In 1873 het dieDawidis na Accademia Gallery verskuif, en 'n replika is op sy oorspronklike plek geïnstalleer.

Foto: Met vergunning CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Gian Lorenzo Bernini, wat erken word as 'n skepper van die Hoog-Romeinse Barokstyl, het hierdie meesterstuk geskep vir 'n kapel in die Kerk van Santa Maria della Vittoria.Die Barok was onlosmaaklik verbind met die Teenreformasie waardeur die Katolieke Kerk probeer het om die gety van Protestantisme wat oor die 17de-eeuse Europa oplaai, te stuit.Kunswerke soos Bernini s'n was deel van die program om die pouslike dogma te herbevestig, wat hier goed gedien word deur Bernini se genialiteit om godsdienstige tonele met dramatiese vertellings te deurdrenk.Ekstaseis 'n voorbeeld daarvan: Die onderwerp daarvan - Heilige Teresa van Ávila, 'n Spaanse Karmelitiese non en mistikus wat geskryf het oor haar ontmoeting met 'n engel - word uitgebeeld net soos die engel op die punt is om 'n pyl in haar hart te duik.Ekstasese erotiese ondertone is onmiskenbaar, veral in die non se orgasmiese uitdrukking en die wriemelende stof wat beide figure omvou.Bernini, 'n argitek as 'n kunstenaar, het ook die omgewing van die Kapel in marmer, pleisterwerk en verf ontwerp.

Foto: Met vergunning van The Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Die Italiaanse kunstenaar Antonio Canova (1757–1822) word as die grootste beeldhouer van die 18de eeu beskou.Sy werk het die Neo-Klassieke styl verpersoonlik, soos jy kan sien in sy vertolking in marmer van die Griekse mitiese held Perseus.Canova het eintlik twee weergawes van die stuk gemaak: Een woon in die Vatikaan in Rome, terwyl die ander in die Metropolitan Museum of Art se Europese Beeldhouhof staan.

Foto: Die Metropolitaanse Kunsmuseum

Terwyl die impressionistiese meester Edgar Degas veral bekend is as 'n skilder, het hy ook in beeldhouwerk gewerk, wat waarskynlik die mees radikale poging van sy oeuvre vervaardig het.Degas fashionedDie Klein Veertienjarige Danseresuit was (waaruit daaropvolgende bronskopieë na sy dood in 1917 gegiet is), maar die feit dat Degas sy gelyknamige onderwerp in 'n werklike balletkostuum (volledig met lyfie, tutu en pantoffels) en pruik van regte hare geklee het, het 'n sensasie veroorsaak toeDanserdebuteer by die Sesde Impressionistiese Uitstalling van 1881 in Parys.Degas het verkies om die meeste van sy versierings in was te bedek om by die res van meisie se gelaatstrekke te pas, maar hy het die tutu gehou, sowel as 'n lint wat haar hare vasmaak, soos hulle was, wat die figuur een van die eerste voorbeelde van gevind-voorwerp gemaak het. kuns.Danserwas die enigste beeldhouwerk wat Degas in sy leeftyd uitgestal het;ná sy dood is nog sowat 156 voorbeelde in sy ateljee aangetref.

Foto: Met vergunning Philadelphia Museum of Art

Terwyl die meeste mense die groot Franse beeldhouer Auguste Rodin metDie Denker, hierdie ensemble wat 'n insident tydens die Honderdjarige Oorlog (1337–1453) tussen Brittanje en Frankryk herdenk, is belangriker vir die geskiedenis van beeldhoukuns.Opdrag gegee vir 'n park in die stad Calais (waar 'n jaarlange beleg deur die Engelse in 1346 opgehef is toe ses dorpsouderlinge hulself vir teregstelling aangebied het in ruil om die bevolking te spaar),Die Burgershet die formaat wat destyds tipies van monumente was, vermy: In plaas van figure wat geïsoleer of in 'n piramide bo-op 'n hoë voetstuk opgestapel is, het Rodin sy lewensgrootte onderwerpe direk op die grond bymekaargemaak, gelyk met die kyker.Hierdie radikale beweging na realisme het gebreek met die heldhaftige behandeling wat gewoonlik aan sulke buitelugwerke toegeken word.MetDie Burgers, Rodin het een van die eerste stappe in die rigting van moderne beeldhouwerk geneem.

Foto: Met vergunning CC/Flickr/Wally Gobetz

In 1912 het Picasso 'n kartonmaket van 'n stuk geskep wat 'n groot impak op 20ste-eeuse kuns sou hê.Ook in MoMA se versameling het dit 'n kitaar uitgebeeld, 'n onderwerp wat Picasso dikwels in skilderkuns en collage ondersoek het, en in baie opsigte,Kitaarhet collage se knip-en-plak-tegnieke van twee dimensies na drie oorgedra.Dit het dieselfde vir Kubisme gedoen, ook deur plat vorms saam te stel om 'n veelvlakkige vorm met beide diepte en volume te skep.Picasso se innovasie was om die konvensionele kerf en modellering van 'n beeldhouwerk uit 'n soliede massa te vermy.In plaas daarvan,Kitaarwas soos 'n struktuur aanmekaar vasgemaak.Hierdie idee sou weerklink van Russiese Konstruktivisme tot Minimalisme en verder.Twee jaar na die maak van dieKitaarin karton het Picasso hierdie weergawe in geknipte blik geskep

Foto: Die Metropolitaanse Kunsmuseum

Van sy radikale begin tot sy finale fascistiese inkarnasie het Italiaanse Futurisme die wêreld geskok, maar geen enkele werk het die blote delirium van die beweging geïllustreer as hierdie beeldhouwerk deur een van sy voorste ligte: Umberto Boccioni nie.Boccioni het begin as 'n skilder en het hom gewend om in drie dimensies te werk na 'n 1913-reis na Parys waarin hy deur die ateljees van verskeie avant-garde beeldhouers van die tydperk getoer het, soos Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon en Alexander Archipenko.Boccioni het hul idees gesintetiseer in hierdie dinamiese meesterstuk, wat 'n stap figuur uitbeeld in 'n "sintetiese kontinuïteit" van beweging soos Boccioni dit beskryf het.Die stuk is oorspronklik in gips geskep en is eers in 1931 in sy bekende bronsweergawe gegiet, ver na die kunstenaar se dood in 1916 as 'n lid van 'n Italiaanse artillerie-regiment tydens die Eerste Wêreldoorlog.

Foto: Met vergunning CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Brancusi, gebore in Roemenië, was een van die belangrikste beeldhouers van vroeg-20ste eeuse modernisme - en inderdaad een van die belangrikste figure in die hele geskiedenis van beeldhoukuns.’n Soort proto-minimalistiese, Brancusi het vorme uit die natuur aangeneem en dit vaartbelyn gemaak in abstrakte voorstellings.Sy styl is beïnvloed deur die volkskuns van sy vaderland, wat dikwels lewendige geometriese patrone en gestileerde motiewe bevat het.Hy het ook geen onderskeid tussen objek en basis gemaak nie en dit in sekere gevalle as verwisselbare komponente behandel - 'n benadering wat 'n deurslaggewende breuk met beeldhoutradisies verteenwoordig het.Hierdie ikoniese stuk is 'n portret van sy model en minnaar, Margit Pogány, 'n Hongaarse kunsstudent wat hy in 1910 in Parys ontmoet het. Die eerste iterasie is in marmer gekerf, gevolg deur 'n gipskopie waaruit hierdie brons gemaak is.Die pleister self is in New York by die legendariese Armory Show van 1913 uitgestal, waar kritici dit gespot en bespot het.Maar dit was ook die mees gereproduseerde stuk in die vertoning.Brancusi het aan verskeie weergawes van gewerkMlle Poganyvir sowat 20 jaar.

Foto: Met vergunning The Museum of Modern Art

Fietswielword beskou as die eerste van Duchamp se revolusionêre readymades.Toe hy egter die stuk in sy Parys-ateljee voltooi het, het hy regtig geen idee gehad wat om dit te noem nie."Ek het die gelukkige idee gehad om 'n fietswiel aan 'n kombuisstoel vas te maak en te kyk hoe dit draai," sou Duchamp later sê.Dit het 'n 1915-reis na New York geneem, en blootstelling aan die stad se groot produksie van fabrieksgeboude goedere, vir Duchamp om met die klaargemaakte term vorendag te kom.Nog belangriker, hy het begin sien dat die maak van kuns op die tradisionele, handgemaakte manier sinloos gelyk het in die Industriële Era.Waarom pla, het hy aangevoer, wanneer algemeen beskikbare vervaardigde items die werk kan doen.Vir Duchamp was die idee agter die kunswerk belangriker as hoe dit gemaak is.Hierdie idee - miskien die eerste werklike voorbeeld van konseptuele kuns - sou die kunsgeskiedenis vorentoe heeltemal transformeer.Baie soos 'n gewone huishoudelike voorwerp, egter die oorspronklikeFietswielhet nie oorleef nie: Hierdie weergawe is eintlik 'n replika wat uit 1951 dateer.

Foto: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

'n Geliefde onderdeel van die Whitney Museum se permanente versameling,Calder se sirkusdistilleer die speelse essensie wat Alexander Calder (1898–1976) tot stand gebring het as kunstenaar wat gehelp het om 20ste beeldhouwerk te vorm.Sirkus, wat tydens die kunstenaar se tyd in Parys geskep is, was minder abstrak as sy hangende "mobiele", maar op sy eie manier was dit net so kineties: hoofsaaklik gemaak van draad en hout,Sirkusgedien as die middelpunt vir improvisasie-opvoerings, waarin Calder rondbeweeg het deur verskeie figure wat kronkelaars, swaard-slukers, leeu-temmers, ens., soos goddelike ringmeester uitbeeld.

Foto: Met vergunning Die J. Paul Getty Museum

As skilder en tapisserieontwerper sowel as 'n beeldhouer, kan die Franse kunstenaar Aristide Maillol (1861–1944) die beste beskryf word as 'n moderne Neo-Klassisis wat 'n vaartbelynde, 20ste-eeuse draai op tradisionele Grieks-Romeinse beelde geplaas het.Hy kan ook beskryf word as 'n radikale konserwatief, alhoewel dit onthou moet word dat selfs avant-garde tydgenote soos Picasso werke vervaardig het in 'n verwerking van Neo-Klassieke styl na die Eerste Wêreldoorlog. Maillol se onderwerp was die vroulike naak, en inL'Air, het hy 'n kontras geskep tussen die materiële massa van sy onderwerp, en die manier waarop dit lyk of sy in die ruimte sweef - balanseer as 't ware hardnekkige liggaamlikheid met verdwynende teenwoordigheid.

Foto: Met vergunning CC/Flickr/C-Monster

Kusama, 'n Japannese kunstenaar wat in verskeie mediums werk, het in 1957 na New York gekom en in 1972 na Japan teruggekeer. In die tussentyd het sy haarself gevestig as 'n hooffiguur van die middestadstoneel, een wie se kuns baie basisse geraak het, insluitend popkuns, minimalisme en Uitvoeringskuns.As 'n vrouekunstenaar wat dikwels na vroulike seksualiteit verwys het, was sy ook 'n voorloper van Feministiese Kuns.Kusama se werk word dikwels gekenmerk deur hallusinogene patrone en herhalings van vorms, 'n geneigdheid wat gewortel is in sekere sielkundige toestande - hallusinasies, OKS - wat sy sedert kinderjare gely het.Al hierdie aspekte van Kusuma se kuns en lewe word weerspieël in hierdie werk, waarin 'n doodgewone, gestoffeerde gemakstoel ontsenuend deur 'n plaagagtige uitbreek van falliese uitsteeksels gemaak van toegewerkte opgestopte materiaal gedemp word.

Foto: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Marisol Escobar (1930–2016), wat bloot onder haar voornaam bekend is, is in Parys vir Venezolaanse ouers gebore.As kunstenaar het sy geassosieer geraak met Pop Art en later Op Art, hoewel sy stilisties aan geen van die groepe behoort het nie.In plaas daarvan het sy figuurlike tablo's geskep wat bedoel was as feministiese satires van geslagsrolle, beroemdheid en rykdom.InVroue en Hondsy neem die objektivering van vroue aan, en die manier waarop manlik-opgelegde standaarde van vroulikheid gebruik word om hulle te dwing om te konformeer.

Foto: Met vergunning CC/Flickr/Rocor

The Brillo Box is miskien die bekendste van 'n reeks beeldhouwerke wat Warhol in die middel-60's geskep het, wat sy ondersoek na popkultuur effektief in drie dimensies geneem het.Getrou aan die naam wat Warhol sy ateljee - die Fabriek - gegee het, het die kunstenaar skrynwerkers gehuur om 'n soort monteerlyn te werk en houtbokse in die vorm van kartonne aanmekaar te spyker vir verskeie produkte, insluitend Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes en Campbell's Soup, soos wel Brillo seepblokkies.Hy het toe elke boks 'n kleur geverf wat ooreenstem met die oorspronklike (wit in die geval van Brillo) voordat hy die produknaam en logo in syskerm bygevoeg het.Geskep in veelvoude, is die bokse dikwels in groot stapels vertoon, wat die galery waarin hulle ook al was, effektief verander het in 'n hoë-kulturele faksimilee van 'n pakhuis.Hul vorm en reeksproduksie was miskien 'n knipoog na - of parodie op - die destyds ontluikende Minimalistiese styl.Maar die eintlike punt vanBrillo Boxis hoe sy noue benadering tot die regte ding artistieke konvensies ondermyn deur te impliseer dat daar geen werklike verskil tussen vervaardigde goedere en werk uit 'n kunstenaar se ateljee is nie.

Foto: Met vergunning CC/Flickr/Esther Westerveld

Donald Judd se naam is sinoniem met Minimal Art, die middel-'60's-beweging wat modernisme se rasionalistiese stremming tot blote noodsaaklikhede gedistilleer het.Vir Judd het beeldhouwerk beteken om die werk se konkrete teenwoordigheid in die ruimte te verwoord.Hierdie idee is beskryf deur die term, "spesifieke voorwerp", en terwyl ander Minimaliste dit omhels het, het Judd waarskynlik die idee sy suiwerste uitdrukking gegee deur die boks as sy handtekeningvorm aan te neem.Soos Warhol het hy dit as herhalende eenhede vervaardig, met behulp van materiale en metodes wat van industriële vervaardiging geleen is.Anders as Warhol se sopblikke en Marilyns, het Judd se kuns na niks buite homself verwys nie.Sy "stapels," is van sy bekendste stukke.Elkeen bestaan ​​uit 'n groep identies vlak bokse gemaak van gegalvaniseerde plaatmetaal, wat van die muur af uitsteek om 'n kolom van eweredig gespasieerde elemente te skep.Maar Judd, wat begin het as 'n skilder, was net so geïnteresseerd in kleur en tekstuur as wat hy was in vorm, soos hier gesien deur groen-getinte outo-liggaam lak wat aan die voorkant van elke boks aangebring is.Judd se wisselwerking van kleur en materiaal geeTitelloos (stapel)'n kieskeurige elegansie wat sy abstrakte absolutisme versag.

Foto: Met vergunning CC/Flickr/Rocor

Soos Benglis, was Hesse 'n vrouekunstenaar wat Postminimalisme deur 'n waarskynlik feministiese prisma gefiltreer het.’n Jood wat as kind van Nazi-Duitsland gevlug het, het sy organiese vorms verken en stukke in industriële veselglas, latex en tou geskep wat vel of vlees, geslagsdele en ander dele van die liggaam opgeroep het.Gegewe haar agtergrond, is dit aanloklik om 'n onderstroom van trauma of angs in werke soos hierdie een te vind.

Foto: Met vergunning The Museum of Modern Art

Na aanleiding van Judd en Flavin het 'n groep kunstenaars van Minimalisme se estetika van skoon lyne afgewyk.As deel van hierdie Postminimalistiese generasie, het Richard Serra die konsep van die spesifieke voorwerp op steroïede geplaas, sy skaal en gewig aansienlik vergroot en die swaartekragwette 'n integrale deel van die idee gemaak.Hy het moeilike balanseringshandelinge van staal- of loodplate en pype geskep wat in tonne weeg, wat die effek gehad het om 'n gevoel van bedreiging aan die werk te gee.(By twee geleenthede is riggers wat Serra-stukke geïnstalleer het dood of vermink toe die werk per ongeluk ineengestort het.) In die afgelope dekades het Serra se werk 'n kromlynige verfyning aangeneem wat dit baie gewild gemaak het, maar in die begin werk dit soos One Ton Prop (House) of Cards), met vier loodplate wat saamgeleun is, het sy bekommernisse met brutale direkheid gekommunikeer.

Foto: Met vergunning CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Na aanleiding van die algemene kontrakulturele neiging gedurende die 1960's en 1970's, het kunstenaars begin in opstand kom teen die kommersialisme van die galerywêreld en radikaal nuwe kunsvorme soos grondwerke ontwikkel.Ook bekend as landkuns, die genre se leidende figuur was Robert Smithson (1938–1973), wat saam met kunstenaars soos Michael Heizer, Walter De Maria en James Turrel die woestyne van die Wes-Verenigde State gewaag het om monumentale werke te skep wat saam met hul omgewing opgetree het.Hierdie terreinspesifieke benadering, soos dit genoem is, het dikwels materiaal gebruik wat direk uit die landskap geneem is.Dit is die geval met Smithson'sSpiraal Jetty, wat in Utah se Groot Soutmeer uitsteek vanaf Rozel Point op die meer se noordoostelike oewer.Gemaak van modder, soutkristalle en basalt wat ter plaatse onttrek is,Spiraal Jetty meet1 500 by 15 voet.Dit was dekades lank onder die meer gedompel totdat 'n droogte in die vroeë 2000's dit weer na die oppervlak gebring het.In 2017,Spiraal Jettyis aangewys as die amptelike kunswerk van Utah.

Foto: Met vergunning CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Die Frans-gebore kunstenaar se kenmerkende werk,Spinnekopis in die middel-1990's geskep toe Bourgeois (1911-2010) reeds in haar tagtigs was.Dit bestaan ​​in talle weergawes van verskillende skaal, insluitend sommige wat monumentaal is.Spinnekopis bedoel as 'n huldeblyk aan die kunstenaar se moeder, 'n tapisserie-hersteller (vandaar die sinspeling op die spinagtige spinnekop se geneigdheid om webbe te spin).

Shutterstock

Wenner van die gesogte Turner-prys in 1994, Antony Gormley is een van die mees gevierde kontemporêre beeldhouers in die VK, maar hy is ook wêreldwyd bekend vir sy unieke aanname van figuratiewe kuns, een waarop wye variasies in skaal en styl gebaseer is, vir die grootste deel, op dieselfde sjabloon: 'n Afgietsel van die kunstenaar se eie liggaam.Dit is waar van hierdie enorme gevleuelde monument wat naby die dorpie Gateshead in die noordooste van Engeland geleë is.Geleë langs 'n groot snelweg,Engelstyg tot 66 voet hoog en strek oor 177 voet in breedte van vlerkpunt tot vlerkpunt.Volgens die Gormley is die werk bedoel as 'n soort simboliese merker tussen Brittanje se industriële verlede (die beeldhouwerk is geleë in die Engeland se steenkoolland, die hart van die Industriële Revolusie) en sy post-industriële toekoms.

Met vergunning CC/Flickr/Richard Howe

Lieflik genoem "The Bean" deur Chicagoans vir sy gebuigde ellipsoïdale vorm,Wolkpoort, Anish Kapoor se openbare kuns-middelpunt vir die Tweede Stad se Millennium Park, is beide kunswerk en argitektuur, wat 'n Instagram-gereed boog bied vir Sondag-wandelaars en ander besoekers aan die park.Vervaardig van spieëlstaal,Wolkpoortse prethuis-reflektiwiteit en grootskaalse maak dit Kapoor se bekendste stuk.

Met vergunning van die kunstenaar en Greene Naftali, New York

Rachel Harrison se werk kombineer 'n volmaakte formalisme met 'n aanleg om oënskynlik abstrakte elemente met veelvuldige betekenisse te vul, insluitend politieke.Sy bevraagteken heftig monumentaliteit en die manlike prerogatief wat daarmee saamgaan.Harrison skep die grootste deel van haar beeldhouwerke deur blokke of blaaie van Styrofoam te stapel en te rangskik, voordat dit bedek word met 'n kombinasie van sement en skilderagtige floreer.Die kersie bo-op is een of ander voorwerp wat gevind is, hetsy alleen of in kombinasie met ander.'n Goeie voorbeeld is hierdie mannequin bo-op 'n langwerpige, verfbespatte vorm.Met 'n kaap en 'n agterwaartse Abraham Lincoln-masker, stuur die werk die groot man-teorie van geskiedenis op met sy oproep van die Antieke Wêreld se veroweraar wat hoog op 'n hansworskleurige rots staan.